Обзор выставки “Damian Hirst Drawings”
- ArtAddict
- 15 июл.
- 9 мин. чтения
Дэмиен Хёрст (р. 1965 г) является одним из самых противоречивых художников современности: несмотря на общепризнанное наличие таланта, его вполне справедливо упрекают в излишней коммерциализации искусства, китче и даже нарциссизме. Его знаковые произведения включаят Medicine Cabinets (Аптечные шкафы), Spot Paintings (точечные картины), животных, законсервированных в формальдегиде, и черепа, украшенные бриллиантами, а сам он оказал значительное влияние на мир современного искусства. Менее известно то, что многие его работы начинаются с предварительных эскизов на бумаге. Некоторые из самых известных произведений Хёрста сначала были рисунками прежде, чем воплотиться в виде картин, скульптур и инсталляций.
Венская Альбертина — первый музей, посвятивший целую выставку именно этому аспекту его творчества. Выставка, которая проходит с 7 мая по 12 октября 2025 года, предлагает увлекательный взгляд на рабочие методы Хёрста и освещает роль рисунка внутри художественного процесса. Рисунки и наброски, сделанные им с 1980-х годов в рамках подготовки его новаторских произведений, часто сопоставляются с соответствующими объектами.
Выставка включает как собственные исследования художника, так и автоматические рисунки, созданные под влиянием случая, а также работы на бумаге, произведённые в его студии.
Идеи на бумаге
Хёрст рассматривает рисунок как центральную часть своей художественной практики. Он помогает ему запечатлевать и запоминать идеи, а также развивать концепции. Он также использует рисунок, чтобы проверять пространственные размеры и пропорции на бумаге до реализации работы. Рисунок служит средством создания визуализаций для членов его команды, чтобы они могли легче понять и передать его идеи, или для документирования деталей и изменений в процессе создания.
По словам самого Хёрста, он рассматривает рисование как непрерывный процесс, начавшийся в детстве, когда его мать давала ему карандаши и бумагу, чтобы занять его. Она добавляла новые листы к его рисункам, чтобы они становились всё больше и больше — и таким образом он в итоге начал мыслить за пределами листа бумаги.
Витрины Хёрста — это большие стеклянные ёмкости, в которых он устраивает натурные сцены, посвящённые изоляции, контролю и экзистенциальной пустоте. Такие работы, как «Приобретённая невозможность побега», демонстрируют повседневные или клинические интерьеры, одновременно банальные и тревожные. Чёткая, почти научная композиция создаёт дистанцию, превращая нас в безмолвных наблюдателей экзистенциальных состояний. В своих произведениях Хёрст часто обращается к теме заключения — физического, психологического или социального — и к человеку как субъекту в контролируемой среде.
«Аптечные шкафы» — это серия работ, в которых фармацевтическая упаковка систематически расставлена на аптечных полках. Четкая, организованная структура и сокращенное представление придают этим работам почти минималистский вид. Стерильная презентация делает их похожими на реликвии современной медицины. По задумке Хёрста, они намекают на человеческое стремление к контролю над жизнью и смертью и на наше доверие к фармацевтическим решениям.
Притянут к порядку
В 1988 году Дэмиен Хёрст впервые выставил работы, которые позже стали известны как один из его фирменных стилей под названием Spot Paintings («Точечные рисунки»). Две из этих ранних картин, «Край» и «Ряд», были выполнены непосредственно на внутренней стене в рамках новаторской выставки Freeze, которую он организовал в лондонском районе Доклендс. Рисунок 1987 года показывает раннюю озабоченность Хёрста систематическим расположением пятен в этих картинах: на небольшом листе бумаги он набросал «Край» и «Ряд», создав две сетки из нарисованных от руки кругов 10 x 15. Более поздние рисунки документируют дальнейшее планирование и концептуальное развитие точечных рисунков. На них художник отмечает размеры и инструкции, определяет различные формы и размеры холстов, которые будут использоваться, или тестирует композиции на бумаге.
Точечные рисунки Хёрста состоят из цветных точек одинакового размера, расположенных в строгой сетке. В большинстве случаев действует правило: ни один цвет не должен повторяться в пределах одной картины. Работы варьируются от небольших до крупных полотен и включают крошечные точки размером в один миллиметр до огромных диаметром в два метра. Кроме того, существуют родственные серии рисунков и гравюр с этим же мотивом точек. Чёткий и систематический порядок точек напоминает научные иллюстрации, такие, как цветовые таблицы, образцы для тестирования или химические решётки проб. Действительно, Хёрст играет с эстетикой лабораторий, систем классификации и медицинских тестов — темами, которые занимают его с самого начала его карьеры.
Рисунок как инструмент
Самый красочный и, можно сказать, милый раздел выставки. Здесь представлены гиперреалистичные изображения цветов, а также эскизы игрушек.
В некоторых случаях рисунки Хёрста создаются его помощниками в студии с целью документирования. Эти работы скорее напоминают фотографии. Но готовая скульптура зачастую очень отличается от эскиза начальной идеи. Для художника рисунок — это практическое средство для достижения цели. Важно то, что результат соответствует его ожиданиям. Тщательные рисунки восковыми мелками, цветными карандашами или простым карандашом не только дают ему новый взгляд на работу, но и служат важными промежуточными этапами в создании произведений, основанных на уже существующих картинах или объектах.
Для серии «Искусство и художники» гиперреалистичные рисунки игрушек снабжались аннотациями с инструкциями для создания крупномасштабных скульптурных версий, увеличенных адаптаций оригинальных фигур. Как можно увидеть из «Автопортрета», себя Хёрст считает милым зайчиком (или хочет, чтобы так его видели окружающие). Возможно, в глубине души он и правда такой вот милый улыбающийся зверёк, но свою «капусту» точно не упустит…
В серии «Животные из ёршиков для трубок» процесс был следующим: Хёрст пригласил детей и их родителей в свою студию делать животных из ёршиков. Затем он выбирал своих фаворитов и воплощал их в гораздо большем масштабе, а далее на их основе создавал рисунки.
Сокровища со дна кораблекрушения «Невероятного»
Два следующих раздела посвящены очень дерзкому и, на мой взгляд, остроумному проекту Хёрста. Художник и его команда работали над этой грандиозной идеей около 10 лет. Результаты были представлены на Венецианской биеннале 2017 года и заняли два палаццо.
Итак, согласно легенде, в I–II веке н.э. африканский раб по имени Сиф Амотан II, ставший богатейшим человеком, собрал невероятную коллекцию сокровищ, которые перевозились на корабле «Невероятный» (Apistos). Корабль потерпел крушение у берегов Восточной Африки. Через 2000 лет затонувший корабль был найден, Хёрст профинансировал поднятие корабля и сокровищ из его трюма.
Выставка, собственно, представляла широкой публике найденные артефакты и была подана, как археологическая сенсация: скульптуры, покрытые кораллами и ракушками, документальные видео подъёма объектов со дна, легенды и научные описания — всё это погружало зрителя в атмосферу ожившей легенды.
Вот только… всё это оказалось выдумкой Хёрста и его команды. Все «древние» произведения искусства – дело их рук. Да и само имя легендарного раба – на английском Cif Amotan II – является анаграммой ‘I AM A FICTION’, что в переводе значит «Я – выдумка».
С этим монументальным проектом художник поиграл с понятиями подлинности, исторической истины и того, во что мы хотим верить. (И скорее всего ещё и от души повеселился, ведь многие посетители оригинальной выставки действительно поверили в подлинность этой легенды и в то, что видят оригинальные древние произведения искусства).
Сказочная правда
Рисунки к проекту «Сокровища со дна кораблекрушения «Невероятного» также являются частью всей мизансцены. Художник подчёркивает, что не следует воспринимать их как спасённые произведения искусства из эпохи Сиф Амотана II: «Очевидно, рисунки не могли находиться на корабле, ведь они бы сгнили в море за все эти годы. Поэтому я вообразил коллекцию рисунков, созданных со временем на основе рассказов очевидцев и воспоминаний людей, слышавших эту историю, — и что именно существование этих рисунков впервые зажгло воображение кладоискателей и сделало открытие кораблекрушения реальностью».
Чтобы создать ощущение исторической подлинности, Хёрст использовал пергамент из козьей кожи и искусственно состаренную бумагу, экспериментировал с древними техниками рисования и использовал специальные чернила, созданные для этого проекта. Он консультировался с реставраторами, чтобы создать впечатление, будто листы бумаги были действительно очень древними — с пожелтением, пятнами и следами трения.
Но и здесь Хёрст вставил тонкие остроумные подсказки, указывающие на то, что рисунки относятся к нашему времени, например, логотипы автомобильных брендов. Такие преднамеренные разрывы иллюзии должны подвести нас к главному вопросу всего проекта: «Как создаётся история и насколько легко мы поддаёмся на рассказы?»
Создавая прекрасные рисунки
В начале 1990-х Хёрст начал экспериментировать с механизированными методами рисования и живописи. В этот период появились его первые «вращающиеся картины» (Spin Paintings): вместе с художником Ангусом Фэйрхерстом он использовал модифицированный автомобильный механизм, чтобы вращать холсты. Из этой первой игривой попытки Хёрст далее разработал другие устройства.
В 1994 году, во время стажировки в Берлине, он впервые публично представил машину для рисования под названием Making Beautiful Drawings («Создавая прекрасные рисунки»). Хёрст описывал её как очень простую: «Это была ручная дрель, под которой было прикреплено дерево: просто нажимал, и дрель начинала вращаться. Во время показа мы сожгли мотор несколько раз и были вынуждены его заменить. Это было очень кустарно. Но хорошая вещь».
С помощью Making Beautiful Drawings Хёрст смещает акцент на сам процесс рисования. Он делегирует рисование машине — процесс, который обычно считается самым личным и индивидуальным выражением художника, ведь он предполагает прямую связь между головой и рукой.
Альбертина также предлагает зрителям создать свою собственную вращающуюся картину: на выставке есть соответствующий аппарат и материалы на выбор. По предварительной записи можно сполна ощутить себя творцом «прекрасного рисунка».
!!! Внимание: далее в статье содержатся материалы, которые могут показаться неприемлемыми, провокационными или оскорбительными для чувствительных читателей. Некоторые изображения и описания могут вызывать сильные эмоциональные реакции. Рекомендуется соблюдать осторожность при просмотре, либо прекратить чтение статьи.
Рисуя невозможное
Акула занимает особое место среди животных мотивов Хёрста. Его рисунки, представленные в данном разделе, дают представление о развитии его культовых инсталляций с акулами и показывают, насколько по-разному он использует мотив хищной рыбы. Ещё в 1989 году Хёрст набрасывал свои первые идеи для работы «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» — произведения, которое впоследствии принесло ему прорыв, — на любом попавшемся под руку клочке бумаги: на обороте книги или использованном конверте. По его словам, он хотел «акулу, которая достаточно велика, чтобы тебя съесть, и в достаточно большом количестве жидкости, чтобы ты мог представить, будто находишься там вместе с ней». Плавающая в формальдегиде рыба заставляет нас столкнуться со своей смертностью, одновременно подчеркивая абсурдность попытки осознать собственную смерть.
Рисунки показывают, как Хёрст исследует различные концептуальные измерения мотива акулы.
К сожалению, раздел не ограничивается только подготовительным рисунками для инсталляций. Несмотря на то, что здесь не представлены самые знаковые и большие по размерам работы Хёрста с мёртвыми животными, некоторые работы меньшего размера нашли своё место на выставке.
Инсталляция «Две одинаковые плавающие формы в бесконечном полёте» представляет собой двух акул, помещённых в длинный стеклянный аквариум, наполненный формальдегидом. Акулы установлены таким образом, как будто «плывут» навстречу друг другу, словно замершие в вечном движении. Работа, по задумке автора, воплощает напряжение между жизнью и смертью, реальностью и иллюзией движения.
Ещё одна вариация животного, законсервированного в формальдегиде – подготовительный рисунок и инсталляция «Оторванный от стада». Одинокий ягнёнок символизирует уязвимость, беззащитность и отчуждение, особенно ярко ощущаемые через его отделённость от «стада», как метафоры общества.
В центре Mental Escapology («Ментального побега») лежит физический феномен: шар, который удерживается в подвешенном состоянии потоком воздуха. Название серии играет не только с идеей ментального освобождения, но и с хрупкостью этой иллюзии невесомости и контроля. Равновесие всегда шатко. Механической поломки или неожиданного порыва воздуха будет достаточно, чтобы система рухнула. Инсталляция Хёрста «То, что поднимается, должно упасть» напоминает физический эксперимент и указывает на неизбежность гравитации или попытку борьбы с тем, что невозможно предотвратить.
«Ради всего святого» (For the Love of God, 2007) — ещё одна нашумевшая инсталляция, представляющая собой слепок человеческого черепа, декорированный платиной и инкрустированный 8601 бриллиантом общим весом 1106,18 каратов. В лобной части — крупный розовый бриллиант («гвоздь программы»). Череп был создан на основе останков мужчины XVIII века, при этом в инсталляции были использованы настоящие зубы этого найденного черепа. Инсталляция была первоначально оценена в ~15 миллионов фунтов стерлингов, при выставлении на продажу цена поднялась до ~ 50 миллионов фунтов стерлингов. Почему-то желающих заплатить такие деньги не нашлось, и тогда Хёрст, уже состоявшийся и состоятельный человек, купил эту работу сам у себя. Сейчас инсталляция находится в совместной собственности Хёрста и нескольких инвесторов.
К сожалению, полюбоваться таким огромным количеством бриллиантов не получилось, однако на выставке представлены предварительные рисунки для инсталляции. Ну что же, будем утешать себя тем, что возможность проследить за ходом мысли творческого человека ценнее, чем все бриллианты мира.
Рисуя в будущее
Озабоченность Хёрста циклами и повторением очевидна во многих из его рисунков, он задается вопросом, что остаётся, когда всё исчезает. Рисунок здесь выполняет функцию средства создания возможности, представления будущей работы - сохранения мысли, которая может обрести форму только годы спустя.
Одним из примеров цикличности в творчестве Хёрста является инсталляция «Тысяча лет»: стеклянный короб, разделённый на две части. В одной — голова коровы, разлагающаяся под действием мух, которые откладывают яйца и умирают. Во второй — ультрафиолетовая лампа-убийца, уничтожающая мух, которые туда залетают.
Эта герметичная система наглядно изображает цикл рождения, размножения и смерти, тем самым отражая центральную тему Хёрста — мимолётность.
К счастью, Альбертина обошлась без этой инсталляции, ограничившись только рисунком.
Мои впечатления
Прежде всего, использование настоящих мёртвых животных ради искусства вызывает у меня сильнейший внутренний протест. Даже если это «великая метафора бренности», реальная смерть живых существ ради медийного вау-эффекта кажется избыточной, особенно в мире, где у искусства есть масса других выразительных средств.
В остальном, я не вижу ничего плохого в стремлении Хёрста продать результаты своего труда как можно дороже и произвести как можно больше шума вокруг своих работ. В конце концов, мы все работаем с целью получения денег и обеспечения себе наиболее комфортной жизни.
Комментарии