Обзор выставки «Matthew Wang – Vincent Van Gogh. Painting as a last resort»
- ArtAddict
- 4 июн.
- 9 мин. чтения
В первой половине 2025 года Альбертина собрала на своих стенах пёструю мозаику выставок – от рисунков эпохи Ренессанса до прославленных художников современности. В этот набор удачно вписалась и выставка «Matthew Wang – Vincent Van Gogh. Painting as a last resort» («Мэтью Вонг – Винсент Ван Гог. Живопись как последнее убежище»), которая проходит с 14 февраля по 19 июня 2025 года.
Несмотря на то, что название выставки содержит два имени, при входе сразу становится понятно, что акцент сделан на творчестве одного из них – Мэтью Вонга (1984 – 2019 гг). При этом, имя Ван Гога (1853 – 1890 гг) на афише совсем не случайно: оба художника воспринимали живопись как способ бегства, предлагающий свободное самовыражение. Вонг отождествлял себя не только с творчеством Ван Гога, но и с его жизнью: «Я вижу себя в нём. Невозможность принадлежать этому миру».
Выставка иллюстрирует близость, выходящую за рамки времени и географии. Сходства между ними проявляются как в общих темах и мотивах, так и в общем увлечении пейзажем и связью между внутренними и внешними мирами. Оба художника используют густую, текстурированную краску и мазки кисти, создающие орнаментальный эффект на холсте с помощью перекрещивающихся движений, мазков и коротких штрихов, что придаёт их работам уникальные материальные качества.
Биография Мэтью Вонга
Для лучшего понимания творчества этого художника, давайте немного погрузимся в его биографию.
Мэтью Вонг родился 8 марта 1984 г. в Торонто, Канада. В возрасте 7 лет вместе с родителями переехал в Гонконг. В 1999 году семья Вонг вернулась в Канаду.
В 2007 году Мэтью получает степень бакалавра в Мичиганском университете и переезжает в Гонконг, где в 2010 году поступает в магистратуру по фотографии в Школе креативных медиа Городского университета.
В 2011 году проходит стажировку в павильоне Гонконга на 54-й Венецианской биеннале. Видит работы Джулиана Шнабеля и Кристофера Вула в Венеции и вдохновляется на создание своих первых рисунков. В 2012 году получает степень магистра по фотографии и публикует свои работы ещё несколько раз, постепенно сосредотачиваясь на рисовании и живописи.
В 2014 году художник организует свою первую персональную выставку под названием «Matthew Wong: Chapter One» («Мэтью Вонг: глава первая») в Музее искусства Цуйхэн.
В 2016 году куратор Мэтью Хиггс отбирает работы Вонга для групповой выставки Outside, проходившей во временном филиале галереи Karma в Нью-Йорке. Вонг знакомится с владельцем галереи Брэнданом Дуганом.Работы Вонга демонстрируются на FIAC в Париже.
В 2017 году художник начинает писать в стиле, который впоследствии станет его фирменным. Его официально представляет галерея Karma, а вскоре после этого и галерея Frank Elbaz, базирующаяся в Париже и Далласе. Работы Вонга выставляются на Frieze New York, где привлекают внимание арт-критиков Джерри Сальца (журнал New York) и Роберты Смит (The New York Times). В этом же году его работы демонстрируются на Art Basel Miami.
Мэтью Вонг переезжает в свою студию в Эдмонтоне, где продолжит работать до своей смерти.
Вонг стремился занять «своё место в великом диалоге между художниками всех времён». При этом Ван Гог был для него одним из важнейших источников вдохновения. Вонг особенно интересовался современными интерпретациями классических тем. Его работа включает отсылки к модернизму и к таким художникам, как Поль Клее, Густав Климт и многие другие. Также можно увидеть параллели и с современными художниками, например, Яёи Кусамой.
Однако для Вонга западная история искусства была лишь одной из составляющих. Он вырос между Канадой и Гонконгом и особенно интересовался китайскими художниками, такими как Шитао, и традиционными азиатскими техниками, например, тушью на рисовой бумаге. Вонг вел уединённый образ жизни, но при этом активно общался с другими представителями мира искусства и культуры через социальные сети, которые он воспринимал как современную форму «цифрового обмена письмами».
В картине «Завершение дня», как часто бывает в творчестве Мэтью Вонга, возвышенность пейзажа предстает в впечатляющем контрасте к одиночеству исчезающе маленькой фигуры: «Мои пейзажи визуализируют представление о каком-то месте или воспоминании, которое превосходит физический опыт […] Эти совершенные моменты "возвышенного бытия", какими бы они ни были», — вот как Вонг описывает центральную тему своих работ.
После долгой борьбы с депрессией, аутизмом и синдромом Туретта, Вонг покончил с собой 2 октября 2019 года в возрасте 35 лет.
Живопись как последнее убежище
«В сущности, жизнь — это ад повсюду, кроме тех моментов, когда я стою перед холстом», — пишет Вонг. Искусство дает ему последнее убежище от его болезней пусть и на короткие периоды.
Ван Гог также боролся с тяжелыми психическими заболеваниями на протяжении всей жизни, и особенно в самые мрачные периоды своей жизни живопись становилась для него спасением. Идентификация Вонга с жизнью и творчеством Ван Гога, осознание того, что чувства другого художника были так похожи на его собственные, приносят ему утешение.
У обоих художников меланхолия находит выражение в атмосферных пейзажах — иногда с темной, мрачной палитрой, а иногда — уравновешенной яркими красками. Их изображения природы, городов и ландшафтов отличаются яркими тонами, резкими контрастами и динамичными цветовыми решениями.
Вонг долго надеялся, что общественное признание окажет положительное влияние на его здоровье. Однако, несмотря на растущий профессиональный успех в последние годы жизни, он осознал, что эта надежда была иллюзорной.
На фоне работ Мэтью Вонга картины Ван Гога выглядят, как картины старых мастеров по сравнению с живописью самого Ван Гога…
Как видно на этой лесной сцене, какое-то время Ван Гог экспериментировал с техникой пуантилизма, покрывая холст небольшими цветными пятнами, создавая живую игру света и тени на лесной почве. Желтая полоса в середине картины напоминает солнечный свет, освещающий поляну вдалеке. Вместе со стволом дерева на правом краю картины она придает сцене глубину. Ван Гог находил утешение в природе. Он неоднократно писал, что отдаленные места вдали от цивилизации давали ему покой.
Пейзажи тоски
Конфликт между желанием принадлежать к сообществу и невозможностью сделать это прослеживается во многих картинах Вонга, например, в «Старом городе». В отличие от пейзажей Ван Гога, пейзажи Вонга воображаемые, написанные в уединении его студии. Вонг использует португальское слово saudade для обозначения меланхоличной тоски по месту, человеку или вещи, которые больше не существуют или еще не существуют. Подобно раю, идиллический природный ландшафт — это далекое место тоски или утопия, которой нет места в реальной жизни.
В следующей картине Вонг напрямую ссылается на шедевр Ван Гога «Звездная ночь». Он еще больше уменьшает формы Ван Гога, добавляет озеро с точечными белыми отражениями и украшает звездное небо узором, напоминающим «Сети бесконечности» Кусамы. В результате работа Вонга кажется более абстрактной, схематичной и плоской. При этом, он придерживался насыщенных оттенков синего и взаимодействия цвета и ночной атмосферы работ Ван Гога.
Во время своего пребывания в Овер-сюр-Уаз в 1890 году Ван Гог часто навещал дом и сад Добиньи. Эта картина является одной из двух больших картин, изображающих летний сад и прилегающее поместье, которые он написал. В работе Ван Гог использовал заметно вытянутый горизонтальный формат (двойной квадрат), к которому художник неоднократно возвращался с июня 1890 года. Динамичная, сильная манера письма типична для позднего творчества Ван Гога.
Контрасты
«Возможно, в основе моего проекта я действительно черно-белый художник-тушевик», — написал Мэтью Вонг. Его черно-белые работы на рисовой бумаге говорят о прямом влиянии китайской культуры на его творчество.
После его художественных начинаний с экспериментальной фотографии, которую он изучал в Гонконге, с 2015 года Вонг начал уделять особое внимание традиции китайской литературной живописи, которая ценит субъективность и представление внутренних реальностей выше объективности и изображения внешних проявлений. Он ссылается на таких исторических художников, как Шитао (1642-1707) и Бада Шанрен (1626-1705), которые выступают за экспрессивно-интуитивный подход в традиционной живописи тушью.
Картина «Солнце» имеет близкое стилистическое сходство с работами Винсента Ван Гога благодаря использованию экспрессивного стиля и сильной работе кистью.
Подсолнухи являются одними из самых известных мотивов Винсента Ван Гога. «Розы и подсолнухи» — один из примерно тридцати натюрмортов, которые он написал во время своего пребывания в Париже в 1886–1888 годах, когда его искусство претерпело глубокую трансформацию. Под влиянием импрессионистов он экспериментировал с дополнительными цветами, такими как красный и зеленый, осветлял свою цветовую палитру и работал с сильными контрастами, что придает произведениям искусства исключительную динамику.
Цикл времени
Смена времён года, цикл времен суток представляли особый интерес для обоих художников: знаменитые изображения звездных ночей Ван Гога находят отклик в тихих, проникновенных ночных картинах Вонга. Повторяющийся мотив звезд на небе пробуждает чувство уверенности и надежды на некую метафизическую загробную жизнь, которая выходит за рамки человеческого мира.
Контрасты в форме и содержании, которые взаимно зависят друг от друга, как инь и ян, также отражают полярности, которые в решающей степени определяют творчество обоих художников.
Вонг работал над постоянным развитием использования цвета. В 2018 году он достаточно много экспериментировал с монохромными картинами, используя только различные градации одного цветового спектра. В «Добром утре», например, Вонг использует ряд нежных пастельных цветов от розового до оранжевого и мягкого желтого. Поскольку художник сводит мотив пейзажа к самым базовым формам, сам цвет становится центральным предметом картины. Линейные полосы представляют солнечные лучи, которые доминируют над пейзажем среди структуры громоздких элементов ландшафта.
В триптихе «Путешествие домой» Вонг объединяет ряд влияний, которые существенно влияют на его работу. Созданные из динамичных, густых мазков, широко сияющие солнечные лучи напоминают Винсента Ван Гога. Одинокая фигура, плывущая к солнцу в лодке, основана на изучении мотивов китайского художника Шитао. Известный американский художник Питер Дойг также ранее неоднократно использовал этот мотив.
Прохладные оттенки синего и зеленого передают ощущение пронизывающего холода заснеженного зимнего поля. Ван Гог часто рисовал сельскохозяйственные мотивы на фоне смены времен года, метафорически связывая их с темой цикла жизни. Заброшенное заснеженное поле, населенное только стаей ворон, стало символом бренности для художника, которого постоянно мучили сомнения в себе и депрессия. Картина была создана по образцу работы Жана-Франсуа Милле (1814-1875), ведущего представителя барбизонской школы, чью концепцию и философию искусства Ван Гог исследовал неоднократно и интенсивно.
Внутренний и внешний мир
Художественное исследование собственных эмоций объединяет Мэтью Вонга и Винсента Ван Гога. Самоанализ и саморефлексия также отражены в сюжетах интерьерных сцен, которые часто повторяются в работах обоих художников, особенно Вонга. На символическом уровне взгляд, направленный наружу через интерьер, переносит на холст отношения замкнутой души с внешним миром: «Мне действительно не комфортно от внимания. [...] Я просто хочу быть невидимым», - пишет Вонг.
«Ночная атмосфера» демонстрируют склонность Вонга к экспериментам с различными узорами. Интерьер распадается на множество декоративных поверхностей. Композицию объединяет разнообразие одного цвета - синего. В то время, как узоры написаны густым импасто, пейзаж, который виден через открытое окно, характеризуется более плоско нанесенными цветами. Акцент на декоре и различные способы нанесения краски напоминают работы Анри Матисса.
Этот интерьер 2019 года напрямую отсылает к одной из самых известных картин Винсента Ван Гога — изображению пустого стула художника в его доме в Арле. Вонг даже использует брошенную трубку, которую Ван Гог нарисовал на покрытом тростником сиденье своего стула, но добавляет в композицию растение в горшке и окно. Он также погружает сцену в оттенки глубокого синего, которые передают меланхоличное настроение. Поскольку стул на картине Ван Гога выполняет функцию символического автопортрета, эту работу можно рассматривать как личную дань уважения голландскому художнику.
Вид белых домов был написан Ван Гогом в 1888 году в деревне Сент-Мари-де-ла-Мер близ Арля. Используя красный, оранжевый, синий и зеленый, художник объединил здесь яркие цвета, на фоне которых белые домики выделяются резким контрастом. Он черпал вдохновение, во-первых, из яркого света юга, а во-вторых, из своего изучения цветных японских гравюр на дереве.
Избирательные содержания
Хотя изначально Вонг работал в стиле, заимствованном из абстрактного экспрессионизма, с 2016 года он продолжил развивать свой собственный независимый художественный стиль, который имеет много аналогий с Ван Гогом: широкие динамические мазки, плотная ткань знаков и штриховок, которые иногда сливаются в переплетающиеся орнаментальные узоры. Интуитивные, воображаемые пейзажи Вонга колеблются между абстракцией и фигуративностью, а цвет является средством выражения эмоций. Вонг работал одержимо, создавая до пяти картин в день с головокружительной скоростью: «Ежедневная работа — это, по сути, способ следить за своей жизнью, как дневник». Хотя его творческий период был коротким, он оставил после себя большое творческое наследие, насчитывающее около 1300 работ.
Эта картина последовала сразу за первыми успехами Вонга в мире искусства - это один из серии пяти монументальных пейзажей, которые полностью полагаются на чистую выразительную силу цвета. Вонг написал пять холстов всего за четыре дня в студии в Бруклине.
Такие пейзажи Мэтью Вонга, как «Прогулка по первобытному саду», визуализируют ностальгическую идею первозданного мира и чистой и простой жизни в гармонии с природой. Как и почти все работы Вонга, этот пейзаж является продуктом воображения художника. Его фантастические пейзажи предлагают выход из повседневной реальности, испорченной борьбой с депрессией и тревогой. Они представляют собой место убежища. Одинокая фигура становится доверенным лицом самого художника, изолированного в мире.
Между буйными деревьями и кустарниками открывается вид на вход в карьер. В этой композиции, созданной в 1889 году в Сен-Реми, где Ван Гог провел год в психиатрической больнице, художник впервые вернулся к приглушенной палитре, хотя после переезда из Антверпена в Париж в 1886 году он стал предпочитать яркие, сияющие цвета. Выполненный в динамичных плавных линиях, пейзажный мотив состоит из форм, которые на первый взгляд кажутся абстрактными. В то же время беспокойные мазки и напряжение, присущее композиции, отражают внутреннее смятение художника и являются выражением его душевного состояния.
Разочарование в жизни
В работах Вонга одинокие фигуры олицетворяют заброшенность, уединение и социальное отчуждение, аспекты, которые отражают его собственную жизнь. Для него, однако, меланхолия — это не индивидуальный, а коллективно-социальный диагноз, атрибут духа времени.
В последний год перед смертью Вонг создавал почти исключительно картины в синих тонах, например, «Ночной переход». В этот синий период он снова берется за диалог между художниками всех времен, на этот раз с художниками, которые имели особую близость к этому цвету, такими как Пабло Пикассо, Ив Кляйн и Эд Рейнхардт.
Ван Гог переехал в Арль на юге Франции в 1888 году. Пейзаж вокруг города стал для него центральным мотивом. Очарованный сияющими красками полей в сверкающем солнечном свете, Ван Гог запечатлел цветущие лилии. Пурпур цветов и зелень листьев создают резкий контраст с ярко-желтым цветом пшеницы. Состоящие из быстрых, широких мазков и точек, цветовые поля на переднем плане идут по диагонали к плоскости картины. Высоко над домами, возвышающимися за линией деревьев на горизонте, голубое небо разворачивается горизонтальной полосой. В письме к своему брату Тео Винсент провел сравнение с японскими гравюрами, которые сам художник страстно коллекционировал и которые используют схожие композиционные средства.
Комментарии